Concert for Gottfried Michael Koenig's 90th Birthday

Betreff: [cec-c] Concert GRM Paris

UNERHÖRTE MUSIK NEWSLETTER 2016 | Nr. 17 20. und 27. September 30.9. Club-Konzert "Am interessantesten ist die Innenseite der Außenseiter." (Jean Genet) Zwei Ausnahmekünstler bestreiten die kommenden beiden Konzerte unserer Reihe: am Dienstag, 20. September konzertiert der junge, bereits weltweit erfolgreich konzertierende holländische Gitarrist und Performer Nico Couck. In seinem Programm Spiel der Dornen kommen Werke von Katherine Young, Dan Tramte, Trevor Bača, Oscar Bianchi UA und Brigitta Muntendorf zur Aufführung: Ein System von Vernetzungen entsteht zwischen dem Instrument und seinem Spieler. Die Interaktion und der Rollentausch zwischen beiden Elementen bestimmen das Konzert. Ist der Körper die Erweiterung (der verlängerte Arm) des Instruments oder sein Manipulator, oder ganz einfach beides? Am Dienstag, 27. September dann wird die in Berlin lebende estonisch-amerikanische Performerin und Sängerin Sirje Viise Werke von Olga Neuwirth, Vinko Globokar,  Mathias Monrad Møller DE, John Cage, Simon Steen-Andersen UA und Alexander Schubert zur Aufführung bringen. Sie beschreibt Ihre Performance DIRTYPOPFOXSLUT wie folgt: "DIRTYPOPFOXSLUT is a performance, a concert, is rock, pop, punk! Vixen, whore, virgin, goddess, boy… Who is the singer and who is the product? She is whoever you need her to be. I will start off with confrontation. I will track the alleged power of woman from the mental to the corporeal. I will become your object of desire. I will pull the strings with just a gesture to make all the world revolve around me. I will haunt you. I will stalk you. I will be your worst nightmare. I will deliver what you didn’t ask for." Einführung: 19:45 Uhr Nicht versäumen wollen wir, vorab auf das Septemberkonzert im BKA CLUB am Freitag, 30. September um 23:30 Uhr hinzuweisen: Dance of the sound | Klang-Körper Drei namhafte Tänzer Maria de Faria, Valentin Tszin ( Vale Tzn) und die Butoh-Tänzerin Yuko Kaseki werden mit dem Soundartisten Sasha Pushkin in verschiedenen Sets das Spannungsverhälnis zwischen Musik und Tanz ausloten und sich gegenseitig inspirieren Dienstag, 20. September 2016 | 20:30 Uhr |     Nico Couck Nico Couck, Gitarre Spiel der Dornen Katherine Young   Earhart and the Queen of Spades (2016) for e-guitar & electronics “Earhart & the Queen of Spades is part of When stranger things happen, a cycle of pieces inspired by Kelly Link’s story “The Girl Detective.” Link’s story is a noir meditation on loss and the potential of the imagination. Each piece in the cycle explores processes of detection and creative reassembly. In this work for solo electric guitar and electronics, silence and prepared near-silence slice a distorted wall of noise, eventually revealing an underworld where lost items - ones mentioned in Links’ story and of personal significance to the performers involved in the works’ development - accumulate and sing.” Composer and bassoonist Katherine Young creates acoustic and electro-acoustic music that uses curious timbres, rhythmic pressure, and kinetic structures to explore the dramatic physicality of sound, shifting interpersonal dynamics, and tensions between the familiar and the strange.The New York Times described her music as “raw, wailing, coloristic,” and New Music Box has noted “her visceral approach to sound; her organic use of repetition, structure, and pacing; her attentiveness to the smallest details of timbre; her adventurousness in using instruments in unexpected ways.” Collaboration is fundamental to Katherine’s process. Working with violist Amy Cimini, violinist Erica Dicker, and pianist Emily Manzo in Till by Turning; violinist Austin Wulliman; choreographer Daria Fain and the Prosodic Body; trombonist Weston Olencki; and Linda Jankoska of Distractfold Ensemble have proven particularly significant. As an improviser, Katherine amplifies her bassoon and employs a flexible electronics set-up. She has documented her work on numerous recordings. Her solo bassoon release garnered praise in The Wire (“Bassoon colossus”) and Downbeat (“seriously bold leaps for the bassoon”), and recently a shout-out in Mojo. About her 2012 release with her quartet Pretty Monsters, All About Jazzstated: “one of the most intriguing ensemble debuts in recent memory, a sonically audacious record documenting the development of a bold young artist whose arresting improvisations are as remarkable as her engaging compositions.” Most recently, Katherine released a duo recording with multi-instrumentalist Anthony Braxton and the third release as Architeuthis Walks on Land with Amy Cimini, recorded as Artists-In-Residence at Renssalaer Polytechnic Institute’s EMPAC. In addition, her installation-performance piece Diligence Is to Magic as Progress Is to Flightcreated with violinist Austin Wulliman, came out on Parlour Tapes+ as a stereo recording and do-it-yourself cassette installation box set. At Oberlin College and Conservatory, Katherine studied bassoon performance and comparative literature; she completed her masters in composition at Wesleyan University,working with Anthony Braxton, Ron Kuivila, and Alvin Lucier. Katherine currently wrapping up her DMA in composition at Northwestern University, where she has worked with Hans Thomalla, Jay Alan Yim, Chris Mercer, and the late Lee Hyla. Dan Tramte    Degradative Interference (2014) for e-guitar & video “Over the past year, I have been obsessed with how mobile devices affect our gaze of reality. For better or for worse, this digital universe we are drawn to is becoming more of our reality than reality itself. We now interface with others through a 4.7” screen—a frame through which we call people by their twitter handles and hear their voices through their Soundcloud accounts. Rather than scoff at this low-fidelity universe, I embrace it in this piece as a frame to create a language more intimate to the internet culture of today.  Indeed, in degradative interference for table-top electric guitar, vine videos, pedals, and objects, all of the footage was taken with a mobile device. This audio/video footage then becomes increasingly degraded as it becomes subsumed by other frames, such as the case that occurs when mobile device is played through the pickups of the guitar.” In his compositions, Dan Tramte (b. 1985) embraces his digital-nativeness, acknowledging what it means to live in a media saturated post-internet wasteland. As such, his music resembles the experience of playing a video game, or scrolling through a social network feed.^1 For Tramte, mobile social media is in fact his primary platform for composition. 350+ videos on his Vine feed thoroughly documents nearly all of the constituent audio-visual composition materials in his (notated) work and installations since early 2014—works often featuring oddity-instruments such as DJ Hero controllers, morse code straight keys, GoPro cameras, and mobile devices. Persistent in his efforts to find and cultivate his voice, Tramte values building enduring relationships with performers. He collaborates with musicians/ensembles Nico Couck, Noa Even, Weston Olencki, InterSpheres Trio, and Keith Kirchoff, working on multiple projects with each performer/group. In his research, which he refers to as Technical Ludomusicology, Tramte examines video game music by building his own apparatuses to facilitate mediated analysis and showcasing design models. For his dissertation he built an a/v media player optimized for theoretical analysis of video games, whereas users may modify video playback rates/seek-points in real-time to both experience the media (as a game in itself) and digest theorists’ subtitle-style textual analysis at desired rates.^2 At the 2016 North American Conference on Video Game Music, he presented a paper on single-seed procedurally generated video games (like No Man’s Sky and Desert Golfing) and demonstrated a piece he wrote at IRCAM modeling this technique called Fever Dream. He is currently focussed on game development of audio-only creative sandbox games. As a YouTuber, Tramte volunteers much of his remaining free time every week at his standing desk contacting composers for recording/scores, producing recording+score videos, and uploading/sharing them online. Having founded the 501c3 nonprofit organization “Score Follower” (YouTube channels Score Follower, Incipitsify, and Mediated Scores), he is responsible for the most widely used legal new music audio+score resources on the net. Tramte earned a Ph.D. in Music from the University of North Texas, a MM in composition at Bowling Green State University, and a BM in performance also at BGSU. Although he rarely performs anymore, he continues to master various party tricks such as multi-order polyrhythms, or singing the alphabet backwards while solving a rubik’s cube. Currently, he is a teaching fellow at Harvard University, where he teaches courses on music theory and the physics of sound.      Trevor Bača    Spiel der Dornen (2016) for guitar The following inscription, written by the composer, appears at the head of the score: Dangerous to the hand and pleasing to behold, the thorns arise in whorls. Pockmarked, but sometimes smooth, the sites of the thorns' emergence constitute a ledger of violation. Read in the blood of pinpricks the thorns transfigure our fairytales; reread in metal, the thorns multiply according to a regime of walls and barbed wire. The American West, children read at their desks, developed in a proliferation of these fences across which cattle can not pass, inscribing in the movements of animals the decisions of an economics that would come to totalize both them and us alike. If only these ribbons — and with them their thorns — had expired in the sun of our rangeland. If only the bodies confined at these folds were of another place, another type. If only the thorns weren't now. The piece is about figuration: the bits and pieces of the music that present themselves to consciousness as the component elements of (nonfunctional) rhetoric, neither small enough to constitute the music’s ultimate components nor big enough to complete its perceptual moments. History hides here. Because it is figuration — not harmony — inside of which the past inheres and from the footholds of which it reaches to drag us back. The tuning of the instrument is left as it was, until the tuning of the instrument is disfigured. The colors of the instrument are taken from its past, until the colors of the instrument are distended. The world I understand asserts the strictures of a dichotomy I didn’t ask for. So no resolution here. At best, ever-increasing envelops of time. To return to the of image of the inscription: there was never a thorn, a spine, a prickle anywhere in the spinning wheel or its parts. The distaff is rounded and the sleeping beauty legend carries in it the fears of our technology wrapped in a lie about its parts. But barbed wire is real enough. And whatever may have been the intention of cattlemen, the present exigencies have to do instead with the function of the state. At the close of the second war, it wasn’t animals but people the American government released from camps it built for its purposes in California. Trevor Bača (*1975) grew up in Texas. His concerns as a composer include lost and secret texts; broken and dismembered systems; sorcery, divination and magic; and the effects, action and beauty of light. Bača's music has been played throughout the US, Europe and Japan with recent performances in Barcelona, Berlin, Boston, Cologne, Curitiba, Huddersfield, Ljubljana, Lyon, Maastricht, New York, San Diego, Thessaloniki, Tokyo, Trieste, Würzburg and elsewhere. Bača's music has been played by soloists and ensembles around the world. Musicians include Brian Archinal (Bern); Séverine Ballon (Paris); Nico Couck (Antwerp); Richard Haynes (Basel); Jonathan Hepfer (Los Angeles); Marc Horne (Barcelona); Carin Levine (Bremen); Reiko Manabe (Tokyo); Mark Menzies (Los Angeles); Christopher Otto (New York); John Pickford Richards (New York); Corrado Rojac (Trieste); Jürgen Ruck (Würzburg); Jessi Rosinski (Boston); Alan Toda-Ambaras (Boston); Alice Teyssier (San Diego); Elizabeth Weisser (New York); and others. Ensembles include the Argento Ensemble (New York); Callithumpian Consort (Boston); Either/Or (New York); Ensemble Dal Niente (Chicago); Ensemble Echoi (San Diego); Ensemble Mosaik (Berlin); Ensemble SurPlus (Freiburg); manufaktur für aktuelle musik (Cologne); Talea Ensemble (New York); and others. Works includeMyrkr (2015) for bass clarinet; Al-kitab al-khamr (2015) for eleven players; Ins Wasser eingeschrieben (2015) for two violas; Huitzil (2014) for cello; Krummzeit (2014) for seven players; Traiettorie inargentate (2013) for cello; L'archipel du corps (2011) for flute, guitar, accordion & percussion; L'imaginaire (2010) for accordion; Mon seul désir (2009) for flute, clarinet, violin and cello; Lidércfény (2008) for flute, violin and piano; Sekka (2007) for flute; Čáry (2006) for bass flute; and Poème récursif (2005) for 64 pieces of percussion. Bača's music has been programmed as part of Musica Sarcra (Maastricht) and the Weimarer Frühjahrstage für zeitgenössische Musik (Weimar). Prizes include Harvard University's Sprague Prize in Composition (2015); Harvard University's Bohemians' Prize in Composition (2014); the Harry & Alice Eiler Foundation's Ježek Prize in Composition (2008); and the Debussy Trio's Susan & David Hirsch Prize in Composition (1996). Bača's music has been anthologized as part of Notations 21 (edited by Theresa Sauer) and Bača's scores have been exhibited as art at the Chelsea Gallery in New York City and at the Hutchins Gallery on Long Island. Recent publications include an analysis of electroacoustic music by composer Steven Kazuo Takasugi in the Search Journal of New Music and Culture and the article "Breath, blood, network of nerves" that theorizes the in-motion body and its parts. Widely in demand as a lecturer on music & technology, Bača has lectured at universities and conservatories in many countries. Lecture engagements include presentations at the Columbia University; Conservatoire Nationale Supérieur de Musique et Danse in Lyon; Eastman Conservatory; Harvard University; Institut de Recherche et Coordination Acoustique / Musique (IRCAM) in Paris; Massachusetts Institute of Technology (MIT); New England Conservatory (NEC); Northeastern University; Stanford University; University of California Berkeley (UC Berkeley); University of California at Santa Barbara (UCSB); University of California at Santa Cruz (UCSC); University of California at San Diego (UCSD); University College Cork in Ireland (UCC); and the Stuttgart Musikhochschule. In August 2009 Bača completed a two-week residency at Schloss Solitude in Stuttgart with performances by Ensemble SurPlus. Bača is earned a PhD candidate in music composition at Harvard University with dissertation advisors Hans Tutschku and Chaya Czernowin.     Oscar Bianchi Ballerina (2016) for e-guitar “When approached from Nico to write a new piece for solo electric guitar one fundamental question had arisen: how to embody all the fluidity that electric guitar has been representing historically, and where to be lead by all that motion and by my desire to flirt, interact and challenge with new possibilities. How to reach a consensus between the different facets that emerged along the way in the use and abuse of such unique plucked instrument, its identities, its semantics - which stretch over more than a century? Deliberately withholding from overreaching in compositional terms (écriture-wise) I’ve been pondering how to embrace the electric guitar in both its bold, brutal (and therefore appealing strength) and simultaneously in what I’d call its idealistic projections. Such expression of ’restraint’, holding-off, has been embodied by a process referable as 'oral tradition’, a dimension of work which embraces and endorses materials, informations and sources deprived - because it is preceded - by intellectual and structural controls.” "From a very refined harmonic ear, Oscar Bianchi has the very modern ability to dramatize musical forms through mastery of texture, in its thousand details. "(Jean-Luc Plouvier, ICTUS ensemble). A vocal quality, even in his instrumental work, can strike us as a prominent feature of his music. Exuberant and intelligent, this vocal dimension plays with a refined art of accentuations in all its intermediate degrees. At its core, Bianchi's music continues to be guided by the challenge of dramaturgical and formal issues. The unexpected contrasts between voluble virtuosity and contemplative stasis are the driving force of his flair for dramatic gesture. His music is joyfully violent in breath and in song but may suddenly come to rest in prayer, via a specific harmony, as though struck by the noonday light. His first opera, Thanks to My Eyes, commissioned by the Festival d'Aix-en-Provence with libretto and staging by Joel Pommerat received critical acclaim by audiences and critics alike ("A masterly portrait of Melancholy", Le Monde, July 7, 2011). His music is performed by prestigious ensembles and orchestras such as the Gewandhaus Leipzig, Orchestre Philarmonique de Radio France, Deutsche Symphonie Orchester, Ensemble Modern, Klangforum, Ictus, Les Percussions de Strasbourg, ICE, Remix, Ensemble Contrechamps, JACK, Diotima. After studying at Milan Conservatory, he fostered his education at IRCAM, Darmstadt Ferienkurse and at Columbia University in New York. He's been artist in residence at the DAAD Kunstlerprogramm Berlin and Pro-Helvetia Warsaw and Johannesburg. Upcoming works include new works for the Symphonieorchester des Bayerischen Rundfunks, Orchestra della Svizzera Italiana, Ensemble Modern, JACK, Collegium Novum Zürich. In 2013 his CD Portrait won the German Record Critics' Award and a recording of his cantata MATRA has been just released under the label Cypres. «Partendo», for countertenor and ensemble, has been awarded with the 2016 Unesco International Rostrum of composer's prize. Brigitta Muntendorf Public Privacy #4: Leap in the Dark (2015) for e-guitar & video Mit meiner Werkreihe für Soloinstrument, Video und Zuspielung Public Privacy beschäftige ich mich mit der Dialektik zwischen dem PRIVATEN und dem ÖFFENTLICHEN, was nirgend besser zu untersuchen ist, als im Social Media Bereich. Sich kompositorisch mit Funktionsweisen und Präsentationsformen im Social Web auseinanderzusetzen bezeichne ich abgeleitet von dem Begriff aus der bildenden Kunst Social Media Art als Social Composing. Während sich die ersten drei Stücke der Reihe mit dem Aspekt des Coverns beschäftigen und dabei das private Wohnzimmer von Youtube-Protagonisten und Live-Interpreten zum öffentlichen Ereignis wird, behandelt Public Privacy #4 mit dem Untertitel Leap in the dark den Entstehungsprozess des Stückes und generiert sein Material aus Videoaufnahmen, die ich im Zuge meiner Reise nach Gent für ein Tryout mit Nico Couck gedreht habe. Die Reise von Köln nach Gent, die Begegnung mit Nico Couck im Orpheus Institut oder das Zurechtfinden in einer fremden Stadt sind bei einem Kompositionsprozess nicht sichtbare Abläufe, private Maßnahmen für den Beginn einer Komposition, die in Leap in the dark nach außen gekehrt und Gegenstand der Arbeit werden. Noch einen Schritt weiter in das Private hinein sind Wahrnehmung, Filter und Assoziationen in der Begegnung mit dem Unbekannten, in die das eigentlich Nicht-Sichtbare getränkt wird – diese Assoziationen und Wahrnehmungen verweisen aber wiederum auf Youtube-Hit-Sequenzen verschiedenster Horrormovies der 70er und 80er, zelebrierte Sequenzen zur Unterhaltung der Öffentlichkeit.Brigitta Muntendorf absolvierte ihr Kompositionsstudium bei Younghi Paagh-Paan an der HfK Bremen, sowie bei Krzysztof Meyer, Rebecca Saunders und Johannes Schöllhorn an der HfMT Köln. Während des Studiums gründete sie das mittlerweile zehnköpfige und sieben Nationen verbindende Ensemble Garage, das sich auf intermediale und musiktheatrale Weise mit den künstlerischen Intentionen und ästhetischen Reklamationen der heutigen Zeit auseinandersetzt. Ensemble Garage machte sich innerhalb kürzester Zeit einen Namen in der Neuen Musik und gastierte u.a. bei den Darmstädter Ferienkursen (2014), beim Ultraschallfestival Berlin, aXes Festival Krakau, im De Bijloke Gent, beim BAD TRIP Festival und beim Acht Brücken Festival sowie der Philharmonie Köln und zeichnet sich die Förderung junger internationaler KomponistenInnen mittels Austauschkonzerten aus (u.a. mit Frankreich, Türkei, Finnland). Brigitta Muntendorf verfolgt mit Ihrer Arbeit als Komponistin, ebenso wie mit Ihrer Arbeit als künstlerische Leiterin des Ensemble Garage die Vision einer Musik, die durch möglichst vielschichte Kontextualisierung nicht nur auf sich selbst verweist, sondern Verweise zu anderen Kunst- und Ausdrucksformen setzt. Sie ist davon überzeugt, dass nur in einem rhizomatischen Setting heutige gesellschaftliche Phänomene kompositorisch reflektiert werden können. 2011 komponierte Brigitta Muntendorf in Zusammenarbeit mit dem Regisseur Thierry Bruehl ihre erste Taschenoper „Wer zum Teufel ist Gerty“ für das Taschenopernfestival Salzburg – es folgten 2013 „Endlich Opfer“ und 2015 „Bronze by Gold“. Ihr kontextorientiertes und spartenverbindendes Denken spiegelt sich auch in zukünftigen Projekten wider – so wird Brigitta Muntendorf in 2016 und 2017 ein neues Musiktheater für die Münchner Biennale und für Ensemble Garage schreiben, sowie mit der Choreographin Stephanie Thiersch Mouvoir im Auftrag der Philharmonie Köln und des Bundeskulturstiftung die CITY DANCES von Anna Halprin, ein großangelegtes, Musik, Tanz und Community verbindendes Stadt-Happening präsentieren. Sie entwickelte sie Projekte mit Jürgen Palmer (bildender Künstler), Mouse on Mars,  Javier Salinas und Michael Ebmeyer (Schriftsteller) oder Cio D’Or (Soundarchitektin) und veranstaltete in Bamberg einen Public Privacy #City Day mit 10 Künstlern. Verschiedene Stipendien und Preise begleiteten und prägten Brigitta Muntendorfs Schaffen – nach dem Studium lebte sie sechs Monate an der Cité Internationale des Arts Paris, 2012 erhielt sie ein Stipendium der Internationalen Ensemble Modern Akademie und 2014-15 lebte und arbeitete sie im Internationalen Künstlerhaus Villa Concordia Bamberg. Verschiedene Porträts (DLF, WDR, HR, Neue Zeitschrift für Musik, Positionen, MusikTexte) und Preise (u.a. Hochschulpreis der HfMT Köln, Bernd Alois Zimmermann Stipendium, Carl von Ossietzky Preis, ZONTA Preis) haben ihr Schaffen bisher begleitet. 2014 erhielt Brigitta Muntendorf den Förderpreis der Ernst von Siemens Musikstiftung, den sie in erster Linie für die Realisierung verschiedener Projekte zur PUBLIC/PRIVACY Thematik im öffentlichen Raum nutzt oder junge Ensembles durch neue Werke unterstützt. Im Zuge des Förderpreises wurde auch ihre erste CD „It may be all an illusion“ veröffentlicht. Aufträge und Aufführungen führten sie u. a. zu Festivals wie das Acht Brücken Festival Köln, ensemble:europa (WDR), den Wittener Tagen für Neue Kammermusik, eclat Festival Stuttgart, Klang Festival Kopenhagen oder das Ultraschall Festival Berlin. Sie komponierte neben ihrer engen Zusammenarbeit mit dem Ensemble Garage u.a. auch für Ensemble Modern, DECODER Ensemble, PHACE, Ensemble Mosaik, Asko/Schönberg Ensemble, CALEFAX, Klangforum Wien oder Musikfabrik. Seit 2013 unterrichtet Brigitta Muntendorf Komposition an der Universität Siegen und wurde 2015 für zwei Semester als Gastdozentin im Fach Komposition an der HfMT Köln eingeladen. Derzeit setzt sie ihre Tätigkeiten als freischaffende Komponistin und künstlerische Leiterin des Ensemble Garage in Köln und Wien fort. Described by The New York Times as agile, compelling and irresistible, Antwerp-based guitarist Nico Couck (b. 1988) started playing the instrument at age 15. In 2013 he obtained his master’s degree at the Royal Conservatoire of Antwerp, under the guidance of prof. Roland Broux, and with greatest distinction. Since 2010 he won several awards at e.g. Radio Klara Festival, Laboratorium III (ChampdAction), and the International Lions Music Competition. In 2014 he was awarded a Kranichsteiner Stipendienpreise for Interpretation by the Internationales Musikinstitut Darmstadt. His repertoire varies from Baroque to contemporary music with a dedicated focus on present-day developments in music. In addition to concerts throughout Europe and the U.S., past events and festivals include the Wittener Tage für Neue Kammermusik (DE), Acht Brücken Festival (DE), Wien Modern (AT), ISCM World Music Days (BE), Transit Festival (BE), Ars Musica (BE), Musica Sacra (NL), and many others. Past performances have been broadcasted on WDR3 (DE), DLF (DE) and Radio Klara (BE). He has collaborated with, premiered and recorded works by Clemens Gadenstaetter, Johannes Kreidler, Phil Niblock, Stefan Prins, Simon Steen-Andersen, Serge Verstockt, amongst several others. Next to his solo activities, Nico Couck features as guest member in ensembles as ChampdAction, HERMESensemble, Ictus, Nadar and Talea Ensemble. In 2016 a collaboration with Matrix (New Music Centre) resulted in No(w) Guitar, a publication for young and beginning guitarists with music by Johannes Kreidler, Ida Lundén, Julien Malaussena, Simon Steen-Andersen and Dan Tramte. In addition to performing, Nico Couck is assistant professor of guitar and contemporary music at the Royal Conservatoire of Antwerp and doctoral researcher at the Orpheus Institute in Ghent. www.nicocouck.com Dienstag, 27. September 2016 | 20:30 Uhr |    Sirje Viise Sirje Aleksandra Viise, Stimme | Performance DIRTYPOPFOXSLUT Vinko Globokar Jenseits der Sicherheit (1981) for solo voice Globokar writes abstract works and leaves it to the musician to find solutions to be able to perform them, using experimental techniques together with frequent improvisatory and virtuoso demands. And Globokar insists on total honesty, with nothing added in performance to make the piece or the performer herself more interesting. Jenseits der Sicherheit pushes the very outer edge of what is even physically possible with the human voice, as it covers 4 octaves when performed as written, punctuated with ridiculously difficult rhythms, melismas, and extended techniques. There is no rest; every phrase is marked by an internal or external development... of intention, invention, listening, pitch, nakedness, or bluff. While performing, the singer notices that through all the commotion and activity, behind which one might hope to hide with technical or performative force, she is actually completely naked as a performer and as an inventor. Vinko Globokar, geboren 1934 in Anderny / Frankreich, lebte vom 13. bis zum 21. Lebensjahr Globokar in Ljubljana (Slowenien), wo er als Jazzmusiker debütierte. Danach studierte er Posaune am Conservatoire in Paris (Diplom in den Fächern Posaune und Kammermusik), Komposition und Dirigieren bei René Leibowitz und Kontrapunkt bei André Hodeir. Er war auch Schüler von Luciano Berio. Globokar war der Solist zahlreicher Uraufführungen von Werken für Posaune von Luciano Berio, Mauricio Kagel, Karlheinz Stockhausen, René Leibowitz, Louis Andriessen, Toru Takemitsu, Jürg Wyttenbach und anderen. Eigene Werke wurden unter seiner Leitung unter anderem vom Orchester des Westdeutschen Rundfunks, den Orchestern von Radio France, Radio Helsinki und Radio Ljubljana sowie den Philharmonischen Orchestern Warschau und Jerusalem aufgeführt. Von 1967 bis 1976 war Vinko Globokar Professor an der Musikhochschule Köln. Er gehörte zu den Gründern der 1969 entstandenen Gruppe für Improvisation „New Phonic Art“ und war 1973 bis 1979 Leiter der Abteilung Instrumental- und Vokalforschung am Institut de Recherche et de Coordination Acoustique/Musique (IRCAM) in Paris. Von 1983 bis 1999 arbeitete er als Lehrer und Dirigent für Musik des 20. Jahrhunderts mit dem Orchestra Giovanile Italiana di Fiesole (Florenz). Im Jahr 2003 wurde er zum Ehrenmitglied der ISCM (IGNM) ernannt. Vinko Globokar lebt in Paris. Olga Neuwirth Nova/Minraud (1998) for solo voice and fixed media Nova/Minraud takes place in a world between dream, delirium, and science fiction. Neuwirth uses texts and the cut-up and fold-in techniques of William S. Burroughs in approaching text and specific soundscapes, with spoken and sung word and field recordings inspired by Burrough’s book Nova Express, wherein the author repeats, layers, and abruptly cuts off words and phrases. Control is the main theme of Nova Express, a social commentary on human and machine control of life, where good and evil forces struggle to justify their existence. Burroughs uses language, the only way to maintain dominance, to break down the walls of culture, the biggest control machine besides society and government, a/k/a the enemies of humanity. The prerecorded sounds and electronically filtered voices are a nightmarish landscape against which the live voice floats, questions, is disgusted, declaims, and disappears; the soprano is the revolutionary, the instigator; humanity and outrage. Olga Neuwirth wurde 1968 in Graz (Österreich) geboren. 1986 studierte sie in San Francisco am Conservatory of Music und am Art College, Malerei und Film. In Wien führte sie ihre Studien an der Hochschule für Musik und Darstellende Kunst sowie am Elektroakustischen Institut weiter. Wesentliche Anregungen erhielt sie durch die Begegnungen mit Adriana Hölszky, Tristan Murail und Luigi Nono. 1991 wurde Olga Neuwirth mit Ihren beiden Mini-Opern nach Texten von Elfriede Jelinek mit nur 22 Jahren das erste Mal international bekannt. 1998 wurde sie im Rahmen der Reihe „Next Generation“ bei den Salzburger Festspielen in zwei Porträtkonzerten vorgestellt und im darauffolgenden Jahr kam ihr erstes abendfüllendes Musiktheaters Bählamms Fest mit einem Libretto der Nobelpreisträgerin Elfriede Jelinek nach Leonora Carrington zur Uraufführung. Ihr für Pierre Boulez und das London Symphony Orchestra geschriebenes Werk Clinamen/Nodus war nach der Londoner Uraufführung 2000 in einer weltweiten Tournee zu hören. 2002 war sie composer-in-residence bei den Luzerner Festwochen, wo sie auch das Remixen Ihrer Musik durch DJ Spooky aufs Programm setzte. Neuwirth läßt sich oft von anglo-amerikanischen Kultur inspirieren, so z.B. in ihrem 2003 uraufgeführten Muskiktheater „Lost Highway“ nach David Lynchs gleichnamigen Film. Der Neuproduktion der English National Opera im Young Vic wurde 2009 der "South Bank Show Award" verliehen. Seit Ihrer Teenager-Zeit interessiert sich Neuwirth für Wissenschaft, Architektur, Literatur, Film und Bildende Kunst und daher ließ sie in vielen ihrer Stücke seit den frühen 1990er Jahren Ensemble, Elektronik und Videoeinspielungen zu einem genreübergreifenden visuellen und akustischen Sinnerlebnis verschmelzen. Dafür gilt sie in der sogenannten „Neuen Musik“-Szene als Pionierin. Aus diesem vielfältige Interesse heraus entstanden auch verschiedene Klanginstallationen, Austellungen, Theater- und Filmmusiken, die mit der Einladung zur “dokumenta 12” in Kassel ihren Höhepunkt fand. Olga Neuwirth erhielt verschiedene nationale und internationale Preise. 2010 den Grossen Österreichischen Staatspreis. Olga Neuwirth lebte in San Francisco, New York, Prag, Paris, Venedig, Triest, Wien und Berlin. Sie ist seit 2006 Mitglied der Akademie der Künste Berlin und seit 2013 Mitglied der Akademie der Künste München. 2012 gab es die Premieren gleich zweier neuer Musiktheaterwerke: The Outcast nach Leben und Werk von Herman Melville und American Lulu, eine Neuinterpretation von Alban Berg’s Lulu. Diese war 2013 in einer Neuproduktion in Bregenz, Edinburgh und London zu hören.  John Cage Aria with Fontana Mix (1958) for solo voice and tape or any instruments Cage used Fontana Mix, pages of graphic elements which are superimposed to create a structure from which a performance score can be made, to create Aria in 1968 for Cathy Berberian. The 20 pages of colorfully graphically-notated music includes texts of isolated vowels and consonants, words in Armenian, Russian, Italian, French, and English, and elements denoting musical and „non-musical“ noises and styles, which are determined prior to performance. In Aria, the performer is the Diva, in control of where and how the piece goes, within a specialized space, using whichever styles and parts of her voice she chooses. In this  arrangement of Fontana Mix for tape, the diva is undercut by the reality of a so-called glamorous life, as percussive actions and sounds will come from implements of a classic day jobs - the waitress, the assistant, the escort. John Cage ist 1912 in Los Angeles geboren. In den 1930er Jahren studiert er u.a. bei Henry Cowell und Arnold Schönberg Musik und Kompositionslehre. Ab 1940 lebt John Cage in New York und wird durch seine eigenwilligen Kompositionen und experimentelle Ausweitung der Musik in Avantgarde-Kreisen bekannt. Ab 1941 unterrichtet Cage an der Chicago School of Design und ab 1948 am Black Mountain College, wo er im regen Austausch mit bildenden Künstlern steht. Der Kontakt mit Anni und Josef Albers, László Moholy-Nagy, Robert Rauschenberg u.a. werden zur wichtigen Inspirationsquelle. 1952 inszeniert Cage am Black Mountain College Untitled Event, was als das erste Happening überhaupt gilt. Cage beginnt, mit den Zufallsoperationen des I Ging zu arbeiten. Ab 1956 unterrichtet Cage an der School for Social Research. Zu seinen Schülern gehören viele Künstler der gerade beginnenden Fluxus-Bewegung, wie George Brecht und Allan Kaprow. Mit Marcel Duchamp verbindet Cage ab 1965 das gemeinsame Schachspiel. Ab den 1970er Jahren werden Cages Notationen, die über eine einfache Notenschrift weit hinaus reichen, in Galerien und Museen ausgestellt, so z.B. 1977 im Museum of Modern Art in New York. 1978 folgt Cage der Einladung, in der Druckereiwerkstatt Crown Point Press zu arbeiten. Bei jährlichen Besuchen, die Cage bis zu seinem Lebensende fortführt, entstehen zahlreiche Graphiken. 1987 wird auf der documenta 8 in Kassel die Klanginstallation Writing through the Essay. 'On the Duty of Civil Disobedience' gezeigt. In Frankfurt werden Cages Opern Europeras 1 & 2 uraufgeführt. Cage stirbt i August 1992 kurz vor seinem 80. Geburtstag, der weltweit mit Konzerten, Festivals und Ausstellungen gefeiert wird. Cage verfasste über 250 musikalische Kompositionen, schuf zahlreiche audio-visuelle Arbeiten, Performances, Installationen und Werke im rein bildkünstlerischen Bereich. Er hielt Lesungen, Vorträge und ist Autor theoretischer und literarischer Schriften. Mathias Monrad Møller POP TART (2014) for female performer and play-along file DE “This piece is about desire: sexual desire, desire to touch and be touched, desire to be noticed, desire to destroy, desire to play. the persona of the performer is that of a pop-performer: „supra-human“, but at the same time a physical body that can't escape humanity: thinking flesh, moving flesh, flesh with complex desires. the piece aims to present the body of the performer in this area of conflict. the persona of the performer is the offender, the victim and the witness in a play of powers, all at once. POP TART = pop, as in popular culture = pop, as a short, explosive sound (as verb and adjective) = tart, as in “a tart remark” = tart, as slang for “promiscuous woman” = a brand of toaster pastries made by the Kellogg Company” Mathias Monrad Møller, born 1988 in Odense/Denmark, grew up in Germany. Composition studies with Martin Schüttler at Hochschule für Musik und Darstellende Kunst Frankfurt/Main, vocal studies with Prof. Scot Weir at Hochschule für Musik „Hanns Eisler“ Berlin and Susanna Eken at the Royal Danish Academy of Music, Copenhagen. His often conceptual works, that combine material from politics, history, music as well as autobiographical, semi-theoretical and poetic texts, seek to use the framework of music performance as a tool for displaying and/or disrupting structures of power. Simon Steen-Andersen Difficulties Putting It Into Practice (2007/2014) new version for performer and prerecorded video (virtual duo) UA For this performance, Steen-Andersen’s Difficulties Putting It Into Practice is reworked from a piece for 2 or 4 musicians into a piece done as a virtual duo of a live performer and pre- recorded video. Using close microphones, the piece consists of a whole multitude of sounds with objects and voice and mouth sounds, some of which can be perceived as words, but it’s hard to know exactly which words... something about ’communicate’ and ‘perceive’ but it’s unclear and difficult to understand: “To recognize, discern, envision, or understand: I perceive a note of sarcasm in your voice. This is a very nice idea but I perceive difficulties putting it into practice.” Amid an abundance of communication, favorite activity of the productive, ideas and connections are lost. The video and live performance duo represents communication between two people who should be on the same page, but who are separated by time, space, rank, success, fear, ambition, and luck. Simon Steen-Andersen, geboren 1976 in Odder (Dänemark). Musikalische Ausbildung (Komposition) ab 1998 in Århus bei Karl Aage Rasmussen, 2001/02 bei Mathias Spahlinger in Freiburg, 2003/04 bei Gabriel Valverde in Buenos-Aires und 2004–2006 bei Bent Sørensen und Hans Abrahamsen in Kopenhagen. Zahlreiche Auszeichnungen und Stipendien, u.a. von der Dänischen Kunststiftung, der Léonie-Sonning-Musikstiftung und den Darmstädter Ferienkursen (Kranichsteiner Musikpreis 2008); diverse Gastaufenthalte. Kompositionsaufträge unter anderen von ensemble recherche / Donaueschinger Musiktage 2007, Ensemble Modern, Radio-Kammerphilharmonie Hilversum, Sinfonieorchester Shanghai, außerdem Aufführungen seiner Werke durch Ensembles wie ICTUS, das Collegium Novum Zürich, das Silesian String Quartet und andere. Seit 2008 Lehrtätigkeit (Komposition) an der Königlichen Musikakademie in Århus; Veröffentlichungen in Zeitschriften wie kunstMUSIK, Dansk Musik Tidsskrift, Parergon (Norwegen); Mitherausgeber der dänischen Zeitschrift für neueste Kunstmusik „AUTOGRAF.org“. Das Schaffen von Simon Steen-Andersen bietet ein sehr heterogenes Bild und umfasst neben Kompositionen für Solisten, Ensembles und Orchester (zum Teil mit ungewöhnlichen Zusatz-Instrumenten und Gerätschaften und verschiedenen elektroakustischen Dispositiven) auch audiovisuelle Installationen. Häufig wird die Musik durch Aktionen der Ausführenden um eine theatrale Dimension erweitert. Alexander Schubert Your Fox’s, A Dirty Gold (2011) for solo voice, motion sensors, e-guitar and live electronics This piece is an interactive performance piece for a singer with motion sensors, electric guitar, live-electronics and lights. It is a modern love song, incorporating elements of contemporary and experimental electronic music in the domain of pop music: “...where your kiss on my eyes were a null function we now malfunction, deprived of subordinate conjunction dysfunction, circular reduction, you unbutton your presumption - close to a washing compulsion.” All involved elements are linked to the movement and gestures of the singer, who controls, triggers and shapes all technical and musical parts of the composition in real time via motion sensors worn on her body and the guitar interface. The lights, live electronics, the entire experience is therefore directly manipulated by the physicality of the performer. She is using her body to create the piece, and invites objectification by the observer.Alexander Schubert, geboren 1979 in Bremen, studierte in Leipzig Informatik und Kognitionswissenschaften. Parallel dazu war er als Musiker und Komponist in verschiedenen Kontexten tätig. Nachdem er ein Jahr am ZKM in Karlsruhe am Institut für Musik und Akustik gearbeitet hatte, studierte er bis 2010 bei Georg Hajdu und Manfred Stahnke Multimediale Komposition an der Hochschule für Musik und Theater in Hamburg. Seitdem ist er Doktorand im Themenfeld sensorgestützter elektroakustischer Performance, unterrichtet an der Musikhochschule Lübeck und ist als freischaffender Komponist tätig. Grundsätzlich beschäftigt er sich genreübergreifend mit der Schnittstelle akustischer und elektronischer Musik. Formal notierte Live-Elektronik-Kompositionen und Tonbandwerke gehören genauso zu seinem Arbeitsfeld wie der Entwurf von Software-Setups und sensorbasierte Erweiterung von Instrumenten für eine intuitive Bedienung im improvisierten Kontext (z.B. “Weapon of Choice“). Ein anhaltender Schwerpunkt ist die Kombination von improvisierter und notierter Musik – sowohl auf struktureller wie auf ästhetischer Ebene (z.B. “Superimpose-Zyklus“). Diverse Werke weisen multimediale und grafische Elemente auf - zum Beispiel bei Stücken für Solisten und Live-Video (z.B. "Laplace Tiger") und bei interaktiven Installationen (z.B. "Some forgotten Patterns"). Neben seiner Tätigkeit als Komponist ist er als Improvisator in verschiedenen Ensembles tätig, wie z.B. dem elektroakustischen Free Jazz Quartett „Emder“. Schubert hat zu zahlreichen szenischen Projekten als Musiker, Komponist und Programmierer beigetragen (z.B. für Wiener Festspielwochen, Berliner Staatsoper, MDR, SWR). Alexander Schubert betreibt das Ahornfelder-Label für experimentelle Audio- und Buchveröffentlichungen. Am ZKM in Karlsruhe war er 2008 als Gastkünstler eingeladen. 2009 wurde er mit dem Bourses Residenzpreis ausgezeichnet und war Preisträger des internationalen JTTP Wettbewerbs und erhielt ein ICMC Stipendium in Montreal. 2010 ist er Residenzkünstler an der University of Birmingham und Stipendiat der Darmstädter Ferienkurse. Kompositionsaufträge erhielt er unter anderem vom Internationalen Musikinstitut Darmstadt, dem NDR / Ensemble Resonanz, IRCAM Paris und dem Ensemble Intégrales. Aufgeführt wurden seine Werke unter anderem von Ictus Ensemble, Nadar Ensemble, Ensemble Intégrales, Ensemble Mosaik, Barbara Lüneburg, John Eckhardt und dem Decoder Ensemble. Seine Werke wurden in über 20 Ländern aufgeführt, darunter: IRCAM Paris, NIME Sydney, ICMC, ZKM Karlsruhe, Darmstädter Ferienkurse, Steinhart School New York, Essl Museum Wien, Deutschlandfunk Köln, SMC Porto, MDR, Wiener Festwochen, Komponistenforum Mittersill, TU Berlin, Kunsthalle Hamburg, Akousma Montreal, Klangwerktage Hamburg, EMM Kansas, ARD Hörspieltage, Ljubljana, USA, England, Spanien, Tunesien. Estonian-American soprano and mixed-media artist Sirje Viise was educated in Indiana, NYC, Boston and Berlin, with initial training in dance, fine arts, and as a violinist. She specializes in extended vocal techniques, contemporary music performance, and sculpture. In her solo programs and performances, she questions the character of the female performer and the role of the singer in contemporary society. She frequently collaborates with composers like Vinko Globokar, Nikolai Worsaæ, Dariusz Przybylski, Timo Kreuser and Ruth Wiesenfeld and has worked with ensembles and artists such as ensemble unitedberlin, FIGURA Ensemble Copenhagen, Romeo Castelucci, and Tanztheater Wuppertal | Pina Bausch. Sirje frequently premieres pieces, tours and performs at, amongst others, Figura Festspiele Copenhagen, Gdański Festiwal Muzyczny, Filharmonia Gorzow, MUSICA Festival Strasbourg, Milano MUSICA, klagenfurter ensemble, Schaubühne Berlin, Théâtre de la Ville de Paris, Latvian National Opera, Estonian National Opera, Sadler’s Wells Theater London, HCMF Huddersfield, T&M Paris, MaerzMusic, Ultraschall Berlin, Warschauer Herbst, etc. as a soloist and as a member of Solistenensemble PHØNIX16. sirjeviise.com Freitag, 30. September 2016, 23:30 Uhr BKA CLUB KONZERT Dance of the sound | Klang-Körper Sasha Pushkin, voice, electronics, objects Maria de Faria, dance, performance Valentin Tszin (Vale Tzn), dance, actor Yuko Kaseki, butoh, dance, performance   Ein Abend um die gegenseitige Inspiration außergewöhnlicher Künstler; Klang-Körper Sasha Pushkin stammt aus St. Petersburg. Als Crossover-Komponist, Pianist, Improvisator, Sänger und Konzeptkünstler arbeitet er grenzüberschreitend in den Bereichen Neue Musik, Jazz, Elektronik, Rockmusik u.v.m. Maria De Faria ist Tänzerin und Performerin. In den letzten vier Jahren intensive Recherche, Kunst und Performance, Improvisation und Visual  Arts mit dem Tanz zu verbinden. Seit 2011 zeigt sie eigene Arbeiten - oft in Kunstgalerien. Sie lebt in Berlin. Valentin Tszin ist Gründer des PoemaTheaters (St. Petersburg – Moskau), wo er Theater, Zeitgenössische Darstellung und Butoh vereint und seine eigene Methode, das "Theatre of Radical Levels" kreierte. Als Schauspieler nahm er an mehr als 20 Projekten teil. Yuko Kaseki lives and works as a freelance dancer, choreographer and teacher in Berlin since 1995. She has been involved in various projects with musicians and visual artists.  Drei Konzerte, die die Bandbreite des aktuellen musikalischen, grenzüberschreitenden Schaffens widerspiegeln. Wir wollen Sie neugierig machen; besuchen Sie uns! Mit herzlichen Grüßen, Ihre Rainer Rubbert und Martin Daske Die Unerhörte Musik wird gefördert aus Mitteln des Regierenden Bürgermeisters von Berlin, Senatskanzlei, Kulturelle Angelegenheiten Alle Veranstaltungen finden im BKA-Theater, Mehringdamm 34, 10961 Berlin, statt. Telefon: 030 - 20 22 007 Eintritt: 13,- / 9,- € Zehnerkarte: 80,- / 60,- € (übertragbar)   Sollten Sie diesen Newsletter in Zukunft nicht mehr erhalten wollen, schreiben Sie uns eine Mail mit dem Betreff "unsubscribe" an: unerhoerte.musik@web.de