| UNERHÖRTE MUSIK |
NEWSLETTER 2016 | Nr. 17 
20. und 27. September
30.9. Club-Konzert
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"Am interessantesten ist die Innenseite der Außenseiter."
(Jean Genet)
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Zwei Ausnahmekünstler bestreiten die kommenden beiden Konzerte unserer Reihe: am Dienstag, 20. September konzertiert der junge, bereits weltweit erfolgreich konzertierende holländische Gitarrist und Performer Nico Couck.
In seinem Programm Spiel der Dornen kommen Werke von Katherine Young, Dan Tramte, Trevor Bača, Oscar Bianchi UA und Brigitta Muntendorf zur Aufführung:
Ein
System von Vernetzungen entsteht zwischen dem Instrument und seinem
Spieler. Die Interaktion und der Rollentausch zwischen beiden Elementen
bestimmen das Konzert. Ist der Körper die Erweiterung (der verlängerte
Arm) des Instruments oder sein Manipulator, oder ganz einfach beides?
Am Dienstag, 27. September dann wird die in Berlin lebende estonisch-amerikanische Performerin und Sängerin Sirje Viise Werke von Olga Neuwirth, Vinko Globokar, Mathias Monrad Møller DE, John Cage, Simon Steen-Andersen UA und Alexander Schubert zur Aufführung bringen.
Sie beschreibt Ihre Performance DIRTYPOPFOXSLUT wie folgt:
"DIRTYPOPFOXSLUT is a performance, a concert, is rock, pop, punk!
Vixen, whore, virgin, goddess, boy… Who is the singer and who is the product? She is
whoever you need her to be.
I will start off with confrontation.
I will track the alleged power of woman from the mental to the corporeal.
I will become your object of desire.
I will pull the strings with just a gesture to make all the world revolve around me.
I will haunt you. I will stalk you.
I will be your worst nightmare.
I will deliver what you didn’t ask for."
Einführung: 19:45 Uhr
Nicht versäumen wollen wir, vorab auf das Septemberkonzert im BKA CLUB am Freitag, 30. September um 23:30 Uhr hinzuweisen:
Dance of the sound | Klang-Körper
Drei namhafte Tänzer Maria de Faria, Valentin Tszin ( Vale Tzn) und die Butoh-Tänzerin Yuko Kaseki werden mit dem Soundartisten Sasha Pushkin in verschiedenen Sets das Spannungsverhälnis zwischen Musik und Tanz ausloten und sich gegenseitig inspirieren
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| Dienstag, 20. September 2016 | 20:30 Uhr | Nico Couck |
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Nico Couck, Gitarre
Spiel der Dornen
Katherine Young
Earhart and the Queen of Spades (2016)
for e-guitar & electronics
“Earhart
& the Queen of Spades is part of When stranger things happen, a
cycle of pieces inspired by Kelly Link’s story “The Girl Detective.”
Link’s story is a noir meditation on loss and the potential of the
imagination. Each piece in the cycle explores processes of detection and
creative reassembly. In this work for solo electric guitar and
electronics, silence and prepared near-silence slice a distorted wall of
noise, eventually revealing an underworld where lost items - ones
mentioned in Links’ story and of personal significance to the performers
involved in the works’ development - accumulate and sing.”
Composer
and bassoonist Katherine Young creates acoustic and electro-acoustic
music that uses curious timbres, rhythmic pressure, and kinetic
structures to explore the dramatic physicality of sound, shifting
interpersonal dynamics, and tensions between the familiar and the
strange.The New York Times described her music as “raw, wailing,
coloristic,” and New Music Box has noted “her visceral approach to
sound; her organic use of repetition, structure, and pacing; her
attentiveness to the smallest details of timbre; her adventurousness in
using instruments in unexpected ways.” Collaboration is fundamental to
Katherine’s process. Working with violist Amy Cimini, violinist Erica
Dicker, and pianist Emily Manzo in Till by Turning; violinist Austin
Wulliman; choreographer Daria Fain and the Prosodic Body; trombonist
Weston Olencki; and Linda Jankoska of Distractfold Ensemble have proven
particularly significant. As an improviser, Katherine amplifies her
bassoon and employs a flexible electronics set-up. She has documented
her work on numerous recordings. Her solo bassoon release garnered
praise in The Wire (“Bassoon colossus”) and Downbeat (“seriously bold
leaps for the bassoon”), and recently a shout-out in Mojo. About her
2012 release with her quartet Pretty Monsters, All About Jazzstated:
“one of the most intriguing ensemble debuts in recent memory, a
sonically audacious record documenting the development of a bold young
artist whose arresting improvisations are as remarkable as her engaging
compositions.” Most recently, Katherine released a duo recording with
multi-instrumentalist Anthony Braxton and the third release as
Architeuthis Walks on Land with Amy Cimini, recorded as
Artists-In-Residence at Renssalaer Polytechnic Institute’s EMPAC. In
addition, her installation-performance piece Diligence Is to Magic as
Progress Is to Flightcreated with violinist Austin Wulliman, came out on
Parlour Tapes+ as a stereo recording and do-it-yourself cassette
installation box set. At Oberlin College and Conservatory, Katherine
studied bassoon performance and comparative literature; she completed
her masters in composition at Wesleyan University,working with Anthony
Braxton, Ron Kuivila, and Alvin Lucier. Katherine currently wrapping up
her DMA in composition at Northwestern University, where she has worked
with Hans Thomalla, Jay Alan Yim, Chris Mercer, and the late Lee Hyla.
Dan Tramte
Degradative Interference (2014)
for e-guitar & video
“Over
the past year, I have been obsessed with how mobile devices affect our
gaze of reality. For better or for worse, this digital universe we are
drawn to is becoming more of our reality than reality itself. We now
interface with others through a 4.7” screen—a frame through which we
call people by their twitter handles and hear their voices through their
Soundcloud accounts. Rather than scoff at this low-fidelity universe, I
embrace it in this piece as a frame to create a language more intimate
to the internet culture of today.
Indeed,
in degradative interference for table-top electric guitar, vine videos,
pedals, and objects, all of the footage was taken with a mobile device.
This audio/video footage then becomes increasingly degraded as it
becomes subsumed by other frames, such as the case that occurs when
mobile device is played through the pickups of the guitar.”
In
his compositions, Dan Tramte (b. 1985) embraces his digital-nativeness,
acknowledging what it means to live in a media saturated post-internet
wasteland. As such, his music resembles the experience of playing a
video game, or scrolling through a social network feed.^1 For Tramte,
mobile social media is in fact his primary platform for composition.
350+ videos on his Vine feed thoroughly documents nearly all of the
constituent audio-visual composition materials in his (notated) work and
installations since early 2014—works often featuring oddity-instruments
such as DJ Hero controllers, morse code straight keys, GoPro cameras,
and mobile devices. Persistent in his efforts to find and cultivate his
voice, Tramte values building enduring relationships with performers. He
collaborates with musicians/ensembles Nico Couck, Noa Even, Weston
Olencki, InterSpheres Trio, and Keith Kirchoff, working on multiple
projects with each performer/group.
In his research, which he refers
to as Technical Ludomusicology, Tramte examines video game music by
building his own apparatuses to facilitate mediated analysis and
showcasing design models. For his dissertation he built an a/v media
player optimized for theoretical analysis of video games, whereas users
may modify video playback rates/seek-points in real-time to both
experience the media (as a game in itself) and digest theorists’
subtitle-style textual analysis at desired rates.^2 At the 2016 North
American Conference on Video Game Music, he presented a paper on
single-seed procedurally generated video games (like No Man’s Sky and
Desert Golfing) and demonstrated a piece he wrote at IRCAM modeling this
technique called Fever Dream. He is currently focussed on game
development of audio-only creative sandbox games.
As a YouTuber,
Tramte volunteers much of his remaining free time every week at his
standing desk contacting composers for recording/scores, producing
recording+score videos, and uploading/sharing them online. Having
founded the 501c3 nonprofit organization “Score Follower” (YouTube
channels Score Follower, Incipitsify, and Mediated Scores), he is
responsible for the most widely used legal new music audio+score
resources on the net.
Tramte earned a Ph.D. in Music from the
University of North Texas, a MM in composition at Bowling Green State
University, and a BM in performance also at BGSU. Although he rarely
performs anymore, he continues to master various party tricks such
as multi-order polyrhythms, or singing the alphabet backwards while
solving a rubik’s cube. Currently, he is a teaching fellow at Harvard
University, where he teaches courses on music theory and the physics of
sound.
Trevor Bača
Spiel der Dornen (2016)
for guitar
The following inscription, written by the composer, appears at the head of the score:
Dangerous
to the hand and pleasing to behold, the thorns arise in whorls.
Pockmarked, but sometimes smooth, the sites of the thorns' emergence
constitute a ledger of violation. Read in the blood of pinpricks the
thorns transfigure our fairytales; reread in metal, the thorns multiply
according to a regime of walls and barbed wire. The American West,
children read at their desks, developed in a proliferation of these
fences across which cattle can not pass, inscribing in the movements of
animals the decisions of an economics that would come to totalize both
them and us alike. If only these ribbons — and with them their thorns —
had expired in the sun of our rangeland. If only the bodies confined at
these folds were of another place, another type. If only the thorns
weren't now.
The piece is about figuration: the bits and pieces of
the music that present themselves to consciousness as the component
elements of (nonfunctional) rhetoric, neither small enough to constitute
the music’s ultimate components nor big enough to complete its
perceptual moments. History hides here. Because it is figuration — not
harmony — inside of which the past inheres and from the footholds of
which it reaches to drag us back. The tuning of the instrument is left
as it was, until the tuning of the instrument is disfigured. The colors
of the instrument are taken from its past, until the colors of the
instrument are distended. The world I understand asserts the strictures
of a dichotomy I didn’t ask for. So no resolution here. At best,
ever-increasing envelops of time.
To return to the of image of the
inscription: there was never a thorn, a spine, a prickle anywhere in the
spinning wheel or its parts. The distaff is rounded and the sleeping
beauty legend carries in it the fears of our technology wrapped in a lie
about its parts. But barbed wire is real enough. And whatever may have
been the intention of cattlemen, the present exigencies have to do
instead with the function of the state. At the close of the second war,
it wasn’t animals but people the American government released from camps
it built for its purposes in California.
Trevor
Bača (*1975) grew up in Texas. His concerns as a composer include lost
and secret texts; broken and dismembered systems; sorcery, divination
and magic; and the effects, action and beauty of light. Bača's music has
been played throughout the US, Europe and Japan with recent
performances in Barcelona, Berlin, Boston, Cologne, Curitiba,
Huddersfield, Ljubljana, Lyon, Maastricht, New York, San Diego,
Thessaloniki, Tokyo, Trieste, Würzburg and elsewhere.
Bača's music
has been played by soloists and ensembles around the world. Musicians
include Brian Archinal (Bern); Séverine Ballon (Paris); Nico Couck
(Antwerp); Richard Haynes (Basel); Jonathan Hepfer (Los Angeles); Marc
Horne (Barcelona); Carin Levine (Bremen); Reiko Manabe (Tokyo); Mark
Menzies (Los Angeles); Christopher Otto (New York); John Pickford
Richards (New York); Corrado Rojac (Trieste); Jürgen Ruck (Würzburg);
Jessi Rosinski (Boston); Alan Toda-Ambaras (Boston); Alice Teyssier (San
Diego); Elizabeth Weisser (New York); and others. Ensembles include the
Argento Ensemble (New York); Callithumpian Consort (Boston); Either/Or
(New York); Ensemble Dal Niente (Chicago); Ensemble Echoi (San Diego);
Ensemble Mosaik (Berlin); Ensemble SurPlus (Freiburg); manufaktur für
aktuelle musik (Cologne); Talea Ensemble (New York); and others. Works
includeMyrkr (2015) for bass clarinet; Al-kitab al-khamr (2015) for
eleven players; Ins Wasser eingeschrieben (2015) for two
violas; Huitzil (2014) for cello; Krummzeit (2014) for seven
players; Traiettorie inargentate (2013) for cello; L'archipel du
corps (2011) for flute, guitar, accordion &
percussion; L'imaginaire (2010) for accordion; Mon seul désir (2009) for
flute, clarinet, violin and cello; Lidércfény (2008) for flute, violin
and piano; Sekka (2007) for flute; Čáry (2006) for bass flute; and Poème
récursif (2005) for 64 pieces of percussion. Bača's music has been
programmed as part of Musica Sarcra (Maastricht) and the Weimarer
Frühjahrstage für zeitgenössische Musik (Weimar). Prizes include Harvard
University's Sprague Prize in Composition (2015); Harvard University's
Bohemians' Prize in Composition (2014); the Harry & Alice Eiler
Foundation's Ježek Prize in Composition (2008); and the Debussy Trio's
Susan & David Hirsch Prize in Composition (1996).
Bača's music
has been anthologized as part of Notations 21 (edited by Theresa Sauer)
and Bača's scores have been exhibited as art at the Chelsea Gallery in
New York City and at the Hutchins Gallery on Long Island. Recent
publications include an analysis of electroacoustic music by composer
Steven Kazuo Takasugi in the Search Journal of New Music and Culture and
the article "Breath, blood, network of nerves" that theorizes the
in-motion body and its parts. Widely in demand as a lecturer on music
& technology, Bača has lectured at universities and conservatories
in many countries. Lecture engagements include presentations at the
Columbia University; Conservatoire Nationale Supérieur de Musique et
Danse in Lyon; Eastman Conservatory; Harvard University; Institut de
Recherche et Coordination Acoustique / Musique (IRCAM) in
Paris; Massachusetts Institute of Technology (MIT); New England
Conservatory (NEC); Northeastern University; Stanford University;
University of California Berkeley (UC Berkeley); University of
California at Santa Barbara (UCSB); University of California at Santa
Cruz (UCSC); University of California at San Diego (UCSD); University
College Cork in Ireland (UCC); and the Stuttgart Musikhochschule. In
August 2009 Bača completed a two-week residency at Schloss Solitude in
Stuttgart with performances by Ensemble SurPlus.
Bača is earned a PhD
candidate in music composition at Harvard University with dissertation
advisors Hans Tutschku and Chaya Czernowin.
Oscar Bianchi
Ballerina (2016)
for e-guitar
“When
approached from Nico to write a new piece for solo electric guitar one
fundamental question had arisen: how to embody all the fluidity that
electric guitar has been representing historically, and where to be lead
by all that motion and by my desire to flirt, interact and challenge
with new possibilities. How to reach a consensus between the different
facets that emerged along the way in the use and abuse of such unique
plucked instrument, its identities, its semantics - which stretch over
more than a century? Deliberately withholding from overreaching in
compositional terms (écriture-wise) I’ve been pondering how to embrace
the electric guitar in both its bold, brutal (and therefore appealing
strength) and simultaneously in what I’d call its idealistic
projections. Such expression of ’restraint’, holding-off, has been
embodied by a process referable as 'oral tradition’, a dimension of work
which embraces and endorses materials, informations and sources
deprived - because it is preceded - by intellectual and structural
controls.”
"From a very refined harmonic
ear, Oscar Bianchi has the very modern ability to dramatize musical
forms through mastery of texture, in its thousand details. "(Jean-Luc
Plouvier, ICTUS ensemble).
A vocal quality,
even in his instrumental work, can strike us as a prominent feature of
his music. Exuberant and intelligent, this vocal dimension plays with a
refined art of accentuations in all its intermediate degrees. At its
core, Bianchi's music continues to be guided by the challenge of
dramaturgical and formal issues. The unexpected contrasts between
voluble virtuosity and contemplative stasis are the driving force of his
flair for dramatic gesture. His music is joyfully violent in breath and
in song but may suddenly come to rest in prayer, via a specific
harmony, as though struck by the noonday light.
His first opera,
Thanks to My Eyes, commissioned by the Festival d'Aix-en-Provence with
libretto and staging by Joel Pommerat received critical acclaim by
audiences and critics alike ("A masterly portrait of Melancholy", Le
Monde, July 7, 2011). His music is performed by prestigious ensembles
and orchestras such as the Gewandhaus Leipzig, Orchestre Philarmonique
de Radio France, Deutsche Symphonie Orchester, Ensemble Modern,
Klangforum, Ictus, Les Percussions de Strasbourg, ICE, Remix, Ensemble
Contrechamps, JACK, Diotima. After studying at Milan Conservatory, he
fostered his education at IRCAM, Darmstadt Ferienkurse and at Columbia
University in New York. He's been artist in residence at the DAAD
Kunstlerprogramm Berlin and Pro-Helvetia Warsaw and Johannesburg.
Upcoming
works include new works for the Symphonieorchester des Bayerischen
Rundfunks, Orchestra della Svizzera Italiana, Ensemble Modern, JACK,
Collegium Novum Zürich. In 2013 his CD Portrait won the German Record
Critics' Award and a recording of his cantata MATRA has been just
released under the label Cypres. «Partendo», for countertenor and
ensemble, has been awarded with the 2016 Unesco International Rostrum of
composer's prize.
Brigitta Muntendorf
Public Privacy #4: Leap in the Dark (2015)
for e-guitar & video
Mit
meiner Werkreihe für Soloinstrument, Video und Zuspielung Public
Privacy beschäftige ich mich mit der Dialektik zwischen dem PRIVATEN und
dem ÖFFENTLICHEN, was nirgend besser zu untersuchen ist, als im Social
Media Bereich. Sich kompositorisch mit Funktionsweisen und
Präsentationsformen im Social Web auseinanderzusetzen bezeichne ich
abgeleitet von dem Begriff aus der bildenden Kunst Social Media
Art als Social Composing.
Während sich die ersten drei Stücke der
Reihe mit dem Aspekt des Coverns beschäftigen und dabei das private
Wohnzimmer von Youtube-Protagonisten und Live-Interpreten zum
öffentlichen Ereignis wird, behandelt Public Privacy #4 mit dem
Untertitel Leap in the dark den Entstehungsprozess des Stückes und
generiert sein Material aus Videoaufnahmen, die ich im Zuge meiner Reise
nach Gent für ein Tryout mit Nico Couck gedreht habe. Die Reise von
Köln nach Gent, die Begegnung mit Nico Couck im Orpheus Institut oder
das Zurechtfinden in einer fremden Stadt sind bei einem
Kompositionsprozess nicht sichtbare Abläufe, private Maßnahmen für den
Beginn einer Komposition, die in Leap in the dark nach außen gekehrt und
Gegenstand der Arbeit werden. Noch einen Schritt weiter in das Private
hinein sind Wahrnehmung, Filter und Assoziationen in der Begegnung mit
dem Unbekannten, in die das eigentlich Nicht-Sichtbare getränkt wird –
diese Assoziationen und Wahrnehmungen verweisen aber wiederum auf
Youtube-Hit-Sequenzen verschiedenster Horrormovies der 70er und 80er,
zelebrierte Sequenzen zur Unterhaltung der Öffentlichkeit.Brigitta
Muntendorf absolvierte ihr Kompositionsstudium bei Younghi Paagh-Paan
an der HfK Bremen, sowie bei Krzysztof Meyer, Rebecca Saunders und
Johannes Schöllhorn an der HfMT Köln.
Während des Studiums gründete
sie das mittlerweile zehnköpfige und sieben Nationen verbindende
Ensemble Garage, das sich auf intermediale und musiktheatrale Weise mit
den künstlerischen Intentionen und ästhetischen Reklamationen der
heutigen Zeit auseinandersetzt. Ensemble Garage machte sich innerhalb
kürzester Zeit einen Namen in der Neuen Musik und gastierte u.a. bei den
Darmstädter Ferienkursen (2014), beim Ultraschallfestival Berlin, aXes
Festival Krakau, im De Bijloke Gent, beim BAD TRIP Festival und beim
Acht Brücken Festival sowie der Philharmonie Köln und zeichnet sich die
Förderung junger internationaler KomponistenInnen mittels
Austauschkonzerten aus (u.a. mit Frankreich, Türkei, Finnland).
Brigitta
Muntendorf verfolgt mit Ihrer Arbeit als Komponistin, ebenso wie mit
Ihrer Arbeit als künstlerische Leiterin des Ensemble Garage die Vision
einer Musik, die durch möglichst vielschichte Kontextualisierung nicht
nur auf sich selbst verweist, sondern Verweise zu anderen Kunst- und
Ausdrucksformen setzt. Sie ist davon überzeugt, dass nur in einem
rhizomatischen Setting heutige gesellschaftliche Phänomene
kompositorisch reflektiert werden können.
2011 komponierte Brigitta
Muntendorf in Zusammenarbeit mit dem Regisseur Thierry Bruehl ihre erste
Taschenoper „Wer zum Teufel ist Gerty“ für das Taschenopernfestival
Salzburg – es folgten 2013 „Endlich Opfer“ und 2015 „Bronze by Gold“.
Ihr kontextorientiertes und spartenverbindendes Denken spiegelt sich
auch in zukünftigen Projekten wider – so wird Brigitta Muntendorf in
2016 und 2017 ein neues Musiktheater für die Münchner Biennale und für
Ensemble Garage schreiben, sowie mit der Choreographin Stephanie
Thiersch Mouvoir im Auftrag der Philharmonie Köln und des
Bundeskulturstiftung die CITY DANCES von Anna Halprin, ein
großangelegtes, Musik, Tanz und Community verbindendes Stadt-Happening
präsentieren. Sie entwickelte sie Projekte mit Jürgen Palmer (bildender
Künstler), Mouse on Mars, Javier Salinas und Michael Ebmeyer
(Schriftsteller) oder Cio D’Or (Soundarchitektin) und veranstaltete in
Bamberg einen Public Privacy #City Day mit 10 Künstlern.
Verschiedene
Stipendien und Preise begleiteten und prägten Brigitta Muntendorfs
Schaffen – nach dem Studium lebte sie sechs Monate an der Cité
Internationale des Arts Paris, 2012 erhielt sie ein Stipendium der
Internationalen Ensemble Modern Akademie und 2014-15 lebte und arbeitete
sie im Internationalen Künstlerhaus Villa Concordia Bamberg.
Verschiedene Porträts (DLF, WDR, HR, Neue Zeitschrift für Musik,
Positionen, MusikTexte) und Preise (u.a. Hochschulpreis der HfMT Köln,
Bernd Alois Zimmermann Stipendium, Carl von Ossietzky Preis, ZONTA
Preis) haben ihr Schaffen bisher begleitet. 2014 erhielt Brigitta
Muntendorf den Förderpreis der Ernst von Siemens Musikstiftung, den sie
in erster Linie für die Realisierung verschiedener Projekte zur
PUBLIC/PRIVACY Thematik im öffentlichen Raum nutzt oder junge Ensembles
durch neue Werke unterstützt. Im Zuge des Förderpreises wurde auch ihre
erste CD „It may be all an illusion“ veröffentlicht.
Aufträge und
Aufführungen führten sie u. a. zu Festivals wie das Acht Brücken
Festival Köln, ensemble:europa (WDR), den Wittener Tagen für Neue
Kammermusik, eclat Festival Stuttgart, Klang Festival Kopenhagen oder
das Ultraschall Festival Berlin. Sie komponierte neben ihrer engen
Zusammenarbeit mit dem Ensemble Garage u.a. auch für Ensemble Modern,
DECODER Ensemble, PHACE, Ensemble Mosaik, Asko/Schönberg Ensemble,
CALEFAX, Klangforum Wien oder Musikfabrik.
Seit 2013 unterrichtet
Brigitta Muntendorf Komposition an der Universität Siegen und wurde 2015
für zwei Semester als Gastdozentin im Fach Komposition an der HfMT Köln
eingeladen. Derzeit setzt sie ihre Tätigkeiten als freischaffende
Komponistin und künstlerische Leiterin des Ensemble Garage in Köln und
Wien fort.
Described
by The New York Times as agile, compelling and irresistible,
Antwerp-based guitarist Nico Couck (b. 1988) started playing the
instrument at age 15. In 2013 he obtained his master’s degree at the
Royal Conservatoire of Antwerp, under the guidance of prof. Roland
Broux, and with greatest distinction. Since 2010 he won several awards
at e.g. Radio Klara Festival, Laboratorium III (ChampdAction), and the
International Lions Music Competition. In 2014 he was awarded a
Kranichsteiner Stipendienpreise for Interpretation by the
Internationales Musikinstitut Darmstadt. His repertoire varies from
Baroque to contemporary music with a dedicated focus on present-day
developments in music.
In addition to concerts throughout Europe and
the U.S., past events and festivals include the Wittener Tage für Neue
Kammermusik (DE), Acht Brücken Festival (DE), Wien Modern (AT), ISCM
World Music Days (BE), Transit Festival (BE), Ars Musica (BE), Musica
Sacra (NL), and many others. Past performances have been broadcasted on
WDR3 (DE), DLF (DE) and Radio Klara (BE). He has collaborated with,
premiered and recorded works by Clemens Gadenstaetter, Johannes
Kreidler, Phil Niblock, Stefan Prins, Simon Steen-Andersen, Serge
Verstockt, amongst several others. Next to his solo activities, Nico
Couck features as guest member in ensembles as ChampdAction,
HERMESensemble, Ictus, Nadar and Talea Ensemble.
In 2016 a
collaboration with Matrix (New Music Centre) resulted in No(w) Guitar, a
publication for young and beginning guitarists with music by Johannes
Kreidler, Ida Lundén, Julien Malaussena, Simon Steen-Andersen and Dan
Tramte. In addition to performing, Nico Couck is assistant professor of
guitar and contemporary music at the Royal Conservatoire of Antwerp and
doctoral researcher at the Orpheus Institute in Ghent. www.nicocouck.com
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| Dienstag, 27. September 2016 | 20:30 Uhr | Sirje Viise |
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Sirje Aleksandra Viise, Stimme | Performance
DIRTYPOPFOXSLUT
Vinko Globokar
Jenseits der Sicherheit (1981)
for solo voice
Globokar
writes abstract works and leaves it to the musician to find solutions
to be able to perform them, using experimental techniques together with
frequent improvisatory and virtuoso demands. And Globokar insists on
total honesty, with nothing added in performance to make the piece or
the performer herself more interesting.
Jenseits der Sicherheit pushes the very outer edge of what is even physically possible with the human voice, as it covers
4
octaves when performed as written, punctuated with ridiculously
difficult rhythms, melismas, and extended techniques. There is no rest;
every phrase is marked by an internal or external development... of
intention, invention, listening, pitch, nakedness, or bluff. While
performing, the singer notices that through all the commotion and
activity, behind which one might hope to hide with technical or
performative force, she is actually completely naked as a performer and
as an inventor.
Vinko Globokar, geboren 1934
in Anderny / Frankreich, lebte vom 13. bis zum 21. Lebensjahr Globokar
in Ljubljana (Slowenien), wo er als Jazzmusiker debütierte. Danach
studierte er Posaune am Conservatoire in Paris (Diplom in den Fächern
Posaune und Kammermusik), Komposition und Dirigieren bei René Leibowitz
und Kontrapunkt bei André Hodeir. Er war auch Schüler von Luciano Berio.
Globokar
war der Solist zahlreicher Uraufführungen von Werken für Posaune von
Luciano Berio, Mauricio Kagel, Karlheinz Stockhausen, René Leibowitz,
Louis Andriessen, Toru Takemitsu, Jürg Wyttenbach und anderen.
Eigene
Werke wurden unter seiner Leitung unter anderem vom Orchester des
Westdeutschen Rundfunks, den Orchestern von Radio France, Radio Helsinki
und Radio Ljubljana sowie den Philharmonischen Orchestern Warschau und
Jerusalem aufgeführt.
Von 1967 bis 1976 war Vinko Globokar Professor
an der Musikhochschule Köln. Er gehörte zu den Gründern der 1969
entstandenen Gruppe für Improvisation „New Phonic Art“ und war 1973 bis
1979 Leiter der Abteilung Instrumental- und Vokalforschung am Institut
de Recherche et de Coordination Acoustique/Musique (IRCAM) in Paris. Von
1983 bis 1999 arbeitete er als Lehrer und Dirigent für Musik des 20.
Jahrhunderts mit dem Orchestra Giovanile Italiana di Fiesole (Florenz).
Im Jahr 2003 wurde er zum Ehrenmitglied der ISCM (IGNM) ernannt. Vinko
Globokar lebt in Paris.
Olga Neuwirth
Nova/Minraud (1998)
for solo voice and fixed media
Nova/Minraud
takes place in a world between dream, delirium, and science fiction.
Neuwirth uses texts and the cut-up and fold-in techniques of William S.
Burroughs in approaching text and specific soundscapes, with spoken and
sung word and field recordings inspired by Burrough’s book Nova Express,
wherein the author repeats, layers, and abruptly cuts off words and
phrases.
Control is the main theme of Nova Express, a social
commentary on human and machine control of life, where good and evil
forces struggle to justify their existence. Burroughs uses language, the
only way to maintain dominance, to break down the walls of culture, the
biggest control machine besides society and government, a/k/a the
enemies of humanity.
The prerecorded sounds and electronically
filtered voices are a nightmarish landscape against which the live voice
floats, questions, is disgusted, declaims, and disappears; the soprano
is the revolutionary, the instigator; humanity and outrage.
Olga Neuwirth wurde 1968 in Graz (Österreich) geboren.
1986
studierte sie in San Francisco am Conservatory of Music und am Art
College, Malerei und Film. In Wien führte sie ihre Studien an der
Hochschule für Musik und Darstellende Kunst sowie am Elektroakustischen
Institut weiter. Wesentliche Anregungen erhielt sie durch die
Begegnungen mit Adriana Hölszky, Tristan Murail und Luigi Nono.
1991
wurde Olga Neuwirth mit Ihren beiden Mini-Opern nach Texten von
Elfriede Jelinek mit nur 22 Jahren das erste Mal international bekannt.
1998
wurde sie im Rahmen der Reihe „Next Generation“ bei den Salzburger
Festspielen in zwei Porträtkonzerten vorgestellt und im darauffolgenden
Jahr kam ihr erstes abendfüllendes Musiktheaters Bählamms Fest mit einem
Libretto der Nobelpreisträgerin Elfriede Jelinek nach Leonora
Carrington zur Uraufführung.
Ihr für Pierre Boulez und das London
Symphony Orchestra geschriebenes Werk Clinamen/Nodus war nach der
Londoner Uraufführung 2000 in einer weltweiten Tournee zu hören.
2002
war sie composer-in-residence bei den Luzerner Festwochen, wo sie auch
das Remixen Ihrer Musik durch DJ Spooky aufs Programm setzte.
Neuwirth
läßt sich oft von anglo-amerikanischen Kultur inspirieren, so z.B. in
ihrem 2003 uraufgeführten Muskiktheater „Lost Highway“ nach David Lynchs
gleichnamigen Film. Der Neuproduktion der English National Opera im
Young Vic wurde 2009 der "South Bank Show Award" verliehen.
Seit
Ihrer Teenager-Zeit interessiert sich Neuwirth für Wissenschaft,
Architektur, Literatur, Film und Bildende Kunst und daher ließ sie in
vielen ihrer Stücke seit den frühen 1990er Jahren Ensemble, Elektronik
und Videoeinspielungen zu einem genreübergreifenden visuellen und
akustischen Sinnerlebnis verschmelzen. Dafür gilt sie in der sogenannten
„Neuen Musik“-Szene als Pionierin.
Aus diesem vielfältige Interesse
heraus entstanden auch verschiedene Klanginstallationen, Austellungen,
Theater- und Filmmusiken, die mit der Einladung zur “dokumenta 12” in
Kassel ihren Höhepunkt fand.
Olga Neuwirth erhielt verschiedene nationale und internationale Preise. 2010 den Grossen Österreichischen Staatspreis.
Olga Neuwirth lebte in San Francisco, New York, Prag, Paris, Venedig, Triest, Wien und Berlin.
Sie ist seit 2006 Mitglied der Akademie der Künste Berlin und seit 2013 Mitglied der Akademie der Künste München.
2012
gab es die Premieren gleich zweier neuer Musiktheaterwerke: The Outcast
nach Leben und Werk von Herman Melville und American Lulu, eine
Neuinterpretation von Alban Berg’s Lulu. Diese war 2013 in einer
Neuproduktion in Bregenz, Edinburgh und London zu hören.
John Cage
Aria with Fontana Mix (1958)
for solo voice and tape or any instruments
Cage
used Fontana Mix, pages of graphic elements which are superimposed to
create a structure from which a performance score can be made, to create
Aria in 1968 for Cathy Berberian. The 20 pages of colorfully
graphically-notated music includes texts of isolated vowels and
consonants, words in Armenian, Russian, Italian, French, and English,
and elements denoting musical and „non-musical“ noises and styles, which
are determined prior to performance.
In Aria, the performer is the
Diva, in control of where and how the piece goes, within a specialized
space, using whichever styles and parts of her voice she chooses. In
this arrangement of Fontana Mix for tape, the diva is undercut by the
reality of a so-called glamorous life, as percussive actions and sounds
will come from implements of a classic day jobs - the waitress, the
assistant, the escort.
John Cage ist 1912 in
Los Angeles geboren. In den 1930er Jahren studiert er u.a. bei Henry
Cowell und Arnold Schönberg Musik und Kompositionslehre. Ab 1940 lebt
John Cage in New York und wird durch seine eigenwilligen Kompositionen
und experimentelle Ausweitung der Musik in Avantgarde-Kreisen bekannt.
Ab 1941 unterrichtet Cage an der Chicago School of Design und ab 1948 am
Black Mountain College, wo er im regen Austausch mit bildenden
Künstlern steht. Der Kontakt mit Anni und Josef Albers, László
Moholy-Nagy, Robert Rauschenberg u.a. werden zur wichtigen
Inspirationsquelle. 1952 inszeniert Cage am Black Mountain College
Untitled Event, was als das erste Happening überhaupt gilt. Cage
beginnt, mit den Zufallsoperationen des I Ging zu arbeiten. Ab 1956
unterrichtet Cage an der School for Social Research. Zu seinen Schülern
gehören viele Künstler der gerade beginnenden Fluxus-Bewegung, wie
George Brecht und Allan Kaprow. Mit Marcel Duchamp verbindet Cage ab
1965 das gemeinsame Schachspiel. Ab den 1970er Jahren werden Cages
Notationen, die über eine einfache Notenschrift weit hinaus reichen, in
Galerien und Museen ausgestellt, so z.B. 1977 im Museum of Modern Art in
New York. 1978 folgt Cage der Einladung, in der Druckereiwerkstatt
Crown Point Press zu arbeiten. Bei jährlichen Besuchen, die Cage bis zu
seinem Lebensende fortführt, entstehen zahlreiche Graphiken. 1987 wird
auf der documenta 8 in Kassel die Klanginstallation Writing through the
Essay. 'On the Duty of Civil Disobedience' gezeigt. In Frankfurt werden
Cages Opern Europeras 1 & 2 uraufgeführt. Cage stirbt i August 1992
kurz vor seinem 80. Geburtstag, der weltweit mit Konzerten, Festivals
und Ausstellungen gefeiert wird.
Cage verfasste über 250 musikalische
Kompositionen, schuf zahlreiche audio-visuelle Arbeiten, Performances,
Installationen und Werke im rein bildkünstlerischen Bereich. Er hielt
Lesungen, Vorträge und ist Autor theoretischer und literarischer
Schriften.
Mathias Monrad Møller
POP TART (2014)
for female performer and play-along file DE
“This
piece is about desire: sexual desire, desire to touch and be touched,
desire to be noticed, desire to destroy, desire to play. the persona of
the performer is that of a pop-performer: „supra-human“, but at the same
time a physical body that can't escape humanity: thinking flesh, moving
flesh, flesh with complex desires. the piece aims to present the body
of the performer in this area of conflict. the persona of the performer
is the offender, the victim and the witness in a play of powers, all at
once. POP TART = pop, as in popular culture = pop, as a short, explosive
sound (as verb and adjective) = tart, as in “a tart remark” = tart, as
slang for “promiscuous woman” = a brand of toaster pastries made by the
Kellogg Company”
Mathias Monrad Møller, born
1988 in Odense/Denmark, grew up in Germany. Composition studies with
Martin Schüttler at Hochschule für Musik und Darstellende Kunst
Frankfurt/Main, vocal studies with Prof. Scot Weir at Hochschule für
Musik „Hanns Eisler“ Berlin and Susanna Eken at the Royal Danish Academy
of Music, Copenhagen. His often conceptual works, that combine material
from politics, history, music as well as autobiographical,
semi-theoretical and poetic texts, seek to use the framework of music
performance as a tool for displaying and/or disrupting structures of
power.
Simon Steen-Andersen
Difficulties Putting It Into Practice (2007/2014)
new version for performer and prerecorded video (virtual duo) UA
For
this performance, Steen-Andersen’s Difficulties Putting It Into
Practice is reworked from a piece for 2 or 4 musicians into a piece done
as a virtual duo of a live performer and pre-
recorded video. Using
close microphones, the piece consists of a whole multitude of sounds
with objects and voice and mouth sounds, some of which can be perceived
as words, but it’s hard to know exactly which words... something about
’communicate’ and ‘perceive’ but it’s unclear and difficult to
understand:
“To recognize, discern,
envision, or understand: I perceive a note of sarcasm in your voice.
This is a very nice idea but I perceive difficulties putting it into
practice.”
Amid an abundance of
communication, favorite activity of the productive, ideas and
connections are lost. The video and live performance duo represents
communication between two people who should be on the same page, but who
are separated by time, space, rank, success, fear, ambition, and luck.
Simon
Steen-Andersen, geboren 1976 in Odder (Dänemark). Musikalische
Ausbildung (Komposition) ab 1998 in Århus bei Karl Aage Rasmussen,
2001/02 bei Mathias Spahlinger in Freiburg, 2003/04 bei Gabriel Valverde
in Buenos-Aires und 2004–2006 bei Bent Sørensen und Hans Abrahamsen in
Kopenhagen. Zahlreiche Auszeichnungen und Stipendien, u.a. von der
Dänischen Kunststiftung, der Léonie-Sonning-Musikstiftung und den
Darmstädter Ferienkursen (Kranichsteiner Musikpreis 2008); diverse
Gastaufenthalte. Kompositionsaufträge unter anderen von ensemble
recherche / Donaueschinger Musiktage 2007, Ensemble Modern,
Radio-Kammerphilharmonie Hilversum, Sinfonieorchester Shanghai, außerdem
Aufführungen seiner Werke durch Ensembles wie ICTUS, das Collegium
Novum Zürich, das Silesian String Quartet und andere. Seit 2008
Lehrtätigkeit (Komposition) an der Königlichen Musikakademie in Århus;
Veröffentlichungen in Zeitschriften wie kunstMUSIK, Dansk Musik
Tidsskrift, Parergon (Norwegen); Mitherausgeber der dänischen
Zeitschrift für neueste Kunstmusik „AUTOGRAF.org“. Das Schaffen von
Simon Steen-Andersen bietet ein sehr heterogenes Bild und umfasst neben
Kompositionen für Solisten, Ensembles und Orchester (zum Teil mit
ungewöhnlichen Zusatz-Instrumenten und Gerätschaften und verschiedenen
elektroakustischen Dispositiven) auch audiovisuelle Installationen.
Häufig wird die Musik durch Aktionen der Ausführenden um eine theatrale
Dimension erweitert.
Alexander Schubert
Your Fox’s, A Dirty Gold (2011)
for solo voice, motion sensors, e-guitar and live electronics
This
piece is an interactive performance piece for a singer with motion
sensors, electric guitar, live-electronics and lights. It is a modern
love song, incorporating elements of contemporary and experimental
electronic music in the domain of pop music:
“...where your kiss on my eyes were a null function
we now malfunction, deprived of subordinate conjunction
dysfunction, circular reduction, you unbutton your presumption -
close to a washing compulsion.”
All
involved elements are linked to the movement and gestures of the
singer, who controls, triggers and shapes all technical and musical
parts of the composition in real time via motion sensors worn on her
body and the guitar interface. The lights, live electronics, the entire
experience is therefore directly manipulated by the physicality of the
performer. She is using her body to create the piece, and invites
objectification by the observer.Alexander
Schubert, geboren 1979 in Bremen, studierte in Leipzig Informatik und
Kognitionswissenschaften. Parallel dazu war er als Musiker und Komponist
in verschiedenen Kontexten tätig. Nachdem er ein Jahr am ZKM in
Karlsruhe am Institut für Musik und Akustik gearbeitet hatte, studierte
er bis 2010 bei Georg Hajdu und Manfred Stahnke Multimediale Komposition
an der Hochschule für Musik und Theater in Hamburg. Seitdem ist er
Doktorand im Themenfeld sensorgestützter elektroakustischer Performance,
unterrichtet an der Musikhochschule Lübeck und ist als freischaffender
Komponist tätig.
Grundsätzlich beschäftigt er sich genreübergreifend
mit der Schnittstelle akustischer und elektronischer Musik. Formal
notierte Live-Elektronik-Kompositionen und Tonbandwerke gehören genauso
zu seinem Arbeitsfeld wie der Entwurf von Software-Setups und
sensorbasierte Erweiterung von Instrumenten für eine intuitive Bedienung
im improvisierten Kontext (z.B. “Weapon of Choice“). Ein anhaltender
Schwerpunkt ist die Kombination von improvisierter und notierter Musik –
sowohl auf struktureller wie auf ästhetischer Ebene (z.B.
“Superimpose-Zyklus“). Diverse Werke weisen multimediale und grafische
Elemente auf - zum Beispiel bei Stücken für Solisten und Live-Video
(z.B. "Laplace Tiger") und bei interaktiven Installationen (z.B. "Some
forgotten Patterns").
Neben seiner Tätigkeit als Komponist ist er als
Improvisator in verschiedenen Ensembles tätig, wie z.B. dem
elektroakustischen Free Jazz Quartett „Emder“. Schubert hat zu
zahlreichen szenischen Projekten als Musiker, Komponist und
Programmierer beigetragen (z.B. für Wiener Festspielwochen, Berliner
Staatsoper, MDR, SWR). Alexander Schubert betreibt das Ahornfelder-Label
für experimentelle Audio- und Buchveröffentlichungen.
Am ZKM in
Karlsruhe war er 2008 als Gastkünstler eingeladen. 2009 wurde er mit dem
Bourses Residenzpreis ausgezeichnet und war Preisträger des
internationalen JTTP Wettbewerbs und erhielt ein ICMC Stipendium in
Montreal. 2010 ist er Residenzkünstler an der University of Birmingham
und Stipendiat der Darmstädter Ferienkurse.
Kompositionsaufträge
erhielt er unter anderem vom Internationalen Musikinstitut Darmstadt,
dem NDR / Ensemble Resonanz, IRCAM Paris und dem Ensemble Intégrales.
Aufgeführt
wurden seine Werke unter anderem von Ictus Ensemble, Nadar Ensemble,
Ensemble Intégrales, Ensemble Mosaik, Barbara Lüneburg, John Eckhardt
und dem Decoder Ensemble.
Seine Werke wurden in über 20 Ländern
aufgeführt, darunter: IRCAM Paris, NIME Sydney, ICMC, ZKM Karlsruhe,
Darmstädter Ferienkurse, Steinhart School New York, Essl Museum Wien,
Deutschlandfunk Köln, SMC Porto, MDR, Wiener Festwochen,
Komponistenforum Mittersill, TU Berlin, Kunsthalle Hamburg, Akousma
Montreal, Klangwerktage Hamburg, EMM Kansas, ARD Hörspieltage,
Ljubljana, USA, England, Spanien, Tunesien.
Estonian-American
soprano and mixed-media artist Sirje Viise was educated in Indiana,
NYC, Boston and Berlin, with initial training in dance, fine arts, and
as a violinist. She specializes in extended vocal techniques,
contemporary music performance, and sculpture. In her solo programs and
performances, she questions the character of the female performer and
the role of the singer in contemporary society. She frequently
collaborates with composers like Vinko Globokar, Nikolai Worsaæ, Dariusz
Przybylski, Timo Kreuser and Ruth Wiesenfeld and has worked with
ensembles and artists such as ensemble unitedberlin, FIGURA Ensemble
Copenhagen, Romeo Castelucci, and Tanztheater Wuppertal | Pina Bausch.
Sirje frequently premieres pieces, tours and performs at, amongst
others, Figura Festspiele Copenhagen,
Gdański Festiwal Muzyczny, Filharmonia Gorzow, MUSICA Festival Strasbourg, Milano MUSICA,
klagenfurter
ensemble, Schaubühne Berlin, Théâtre de la Ville de Paris, Latvian
National Opera, Estonian National Opera, Sadler’s Wells Theater London,
HCMF Huddersfield, T&M Paris, MaerzMusic, Ultraschall Berlin,
Warschauer Herbst, etc. as a soloist and as a member of Solistenensemble
PHØNIX16. sirjeviise.com
|
Freitag, 30. September 2016, 23:30 Uhr
BKA CLUB KONZERT
Dance of the sound | Klang-Körper
Sasha Pushkin, voice, electronics, objects
Maria de Faria, dance, performance
Valentin Tszin (Vale Tzn), dance, actor
Yuko Kaseki, butoh, dance, performance
Ein Abend um die gegenseitige Inspiration außergewöhnlicher Künstler; Klang-Körper
Sasha
Pushkin stammt aus St. Petersburg. Als Crossover-Komponist, Pianist,
Improvisator, Sänger und Konzeptkünstler arbeitet er grenzüberschreitend
in den Bereichen Neue Musik, Jazz, Elektronik, Rockmusik u.v.m.
Maria
De Faria ist Tänzerin und Performerin. In den letzten vier Jahren
intensive Recherche, Kunst und Performance, Improvisation und Visual
Arts mit dem Tanz zu verbinden. Seit 2011 zeigt sie eigene Arbeiten -
oft in Kunstgalerien. Sie lebt in Berlin.
Valentin Tszin
ist Gründer des PoemaTheaters (St. Petersburg – Moskau), wo er Theater,
Zeitgenössische Darstellung und Butoh vereint und seine eigene Methode,
das "Theatre of Radical Levels" kreierte. Als Schauspieler nahm er an
mehr als 20 Projekten teil.
Yuko Kaseki lives and works
as a freelance dancer, choreographer and teacher in Berlin since 1995.
She has been involved in various projects with musicians and visual
artists.
Drei Konzerte, die die Bandbreite des aktuellen musikalischen, grenzüberschreitenden Schaffens widerspiegeln.
Wir wollen Sie neugierig machen; besuchen Sie uns!
Mit herzlichen Grüßen,
Ihre Rainer Rubbert und Martin Daske
Die
Unerhörte Musik wird gefördert aus Mitteln des Regierenden
Bürgermeisters von Berlin, Senatskanzlei, Kulturelle Angelegenheiten
Alle Veranstaltungen finden im BKA-Theater, Mehringdamm 34, 10961 Berlin, statt. Telefon: 030 - 20 22 007
Eintritt: 13,- / 9,- €
Zehnerkarte: 80,- / 60,- € (übertragbar)
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